"La American Chicken Bunker, una cadena de comida rápida de pollo frito con temática militar, monta un restaurante en un terreno que anteriormente era un cementerio indio. A partir de este momento, una maldición se desatará en el lugar, liberando una epidemia que revive a los pollos... en forma de zombies."
Ya está disponible el trailer de la última película de uno de nuestros directores favoritos, X, del estadounidense Ti West, director entre otras de las notables The House of the Devil, The Innkeepers y The Sacrament.
"Una joven pareja se ve empujada al límite de la cordura mientras intenta reunirse en medio del caos que genera un brote pandémico. La enfermedad convierte a los infectados en seres crueles y depravados, un nivel de inhumanidad donde reina el asesinato, la tortura y la mutilación. Rob Jabbaz trae a Sitges una de las películas más extremas de la historia del festival, el equivalente a The Raid en el género del gore."
FRANCIA BÉLGICA, 2021 TÍTULO ORIGINAL: Titane DIRECTOR: Julia Ducournau GUION: Julia Ducournau REPARTO: Agathe Rousselle, Vincent Lindon, Garance Marillier
"Un padre que busca a su hijo desaparecido. Una niña con el cuerpo de carne y de metal. En su nueva película, Julia Ducournau vuelve a explorar algo que ya había sondeado en Crudo: la actualización de la nueva carne, que confirma a la directora francesa como sucesora del mismísimo David Cronenberg. Titane, la flamante Palma de Oro del pasado festival de Cannes ya está aquí."
"Barry está atrapado en su adicción a las drogas. Después de una nueva cogorza, es secuestrado por extraterrestres. Un alienígena asume entonces el control y lo lleva a dar un paseo por Ciudad del Cabo. Lo que sigue es una avalancha de drogas, sexo y violencia que se desata cuando el turista marciano entra en contacto con el extraño mundo de la humanidad."
Fried Barry era una de las indispensables de Sitges 2020, un bizarro argumento y una potente estética prometían ser un autentico espectáculo para el espectador, y pese a cortocircuitarse alguna vez entre tantas luces de neón, su resultado es satisfactorio y provocador.
Barry, interpretado de forma magistral por Gary Green, es un desperdicio humano, un adicto al alcohol y las drogas, egoísta e individualista, que es abducido por unos alienígenas que toman el control de su cuerpo. De vuelta a la tierra deciden volcarse en el conocimiento de los placeres terrenales, sexo, drogas, fiesta y alcohol, en una noche de puro desenfreno por las zonas mas turbias de Ciudad del Cabo.
Pese a estar volcado 100% en su disfrute, poco a poco va tomando conciencia, y mostrándose más humano, cercano y preocupado por los demás de lo que nunca ha sido, ofreciendo un rayo de luz al cambio y la redención. Mientras tanto una sucesión de escenas locas, bizarras, desagradables e imprevisibles azotan al espectador enlazadas en un montaje adrenalínico, lleno de luces de neón y música electrónica.
Fried Barry es una de las propuestas más arriesgadas y provocadoras de este Sitges 2020, y verla a las 08:15 de la mañana ha sido una experiencia que nos ha dejado el cerebro frito.
The Onania Club es la nueva obra nacida de la enfermiza mente de Tom Six, responsable de la grotesca trilogía The Human Centipede, y especialista en escandalizar al espectador con sus arriesgadas propuestas.
Six habla de su película como “una de las experiencias cinematográficas mas viles e inhumanas de todos los tiempos” y nos presenta un club social compuesto por mujeres que disfrutan y se excitan con las desgracias y miserias del resto de humanos.
Aun sin fecha de estreno oficial, The Oniana Club ya ha mostrado un par de teasers que dejan muy claras cuales son las intenciones de su nueva y escandalosa obra. El reparto está compuesto por Jessica Morris, Darcy DeMoss, Deborah Twiss, Karen Stassman y Flo Lawrence.
TÍTULO ORIGINAL: Córki dancingu DIRECTOR: Agnieszka Smoczynska PRODUCTOR: Wlodzimierz Niderhaus GUIÓN: Robert Bolesto REPARTO: Marta Mazurek, Michalina Olszanska, Kinga Preis
Las palabras que podéis leer arriba a priori no tienen
demasiada relación entre ellas y si las juntáis sale algo sin pies ni cabeza,
algo así como “un música polaco de sirenas caníbales que trabajan en un cabaret
de variedades” que precisamente es el argumento de la película The Lure, film que se pudo ver hace un
par de años en el Festival de Sitges.
Golden y Silver son dos sirenas que interrumpen su viaje marino
tras escuchar a un grupo de humanos que estaba haciendo música en la orilla de
un río. Ni cortas ni perezosas deciden unirse a ellos y entran a trabajar en un
cabaret de variedades de Varsovia donde darán rienda suelta a su talento
musical y se convertirán en una de las grandes atracciones de la sala.
Sorprende la reacción de los humanos ante dos seres mitológicos,
nadie parece sorprenderse por su procedencia y se limitan a verles como dos
objetos sexuales, como dos jóvenes más a las que explotar. Por su parte las
sirenas no son los seres acuáticos entrañables de las películas de Disney, si
no que estamos ante las sirenas devoradoras de hombres que no tienen límites
para saciar sus instintos más primarios.
A lo largo del film veremos la evolución de los personajes,
y como unas sirenas se pueden ver corrompidas por la bajeza humana como es el
caso de Golden o como pueden dejarlo todo y perder su identidad por un amor no
correspondido como le sucede a Silver.
La historia se desarrolla entre números musicales con cierto
aire ochentero y pese a no sufrir demasiados altibajos argumentales conforme
pasa los minutos y el factor sorpresa comienza a desaparecer el interés por el
film también comienza a decaer hasta un tercio final que vuelve a reflotar
nuestra atención hasta su trágico desenlace.
El reparto está compuesto por actores polacos con poca o
nula carrera fuera de sus fronteras en
el que destaca las actuaciones de Marta
Mazurek y Michalina Olsanzanska
que dan vida a las dos sirenas de esta sórdida fabula que critica de manera muy
sutil la visión sobre la mujer en una sociedad ampliamente machista. The Lure acaba
resultando un miscelánea de géneros aceptable en cada uno de ellos pero sin
destacar en exceso en ninguno. Si estas buscando una propuesta exótica y
diferente a todo lo que has visto hasta la fecha The Lure es tu opción.
“Año 2060, el VIH ha
mutado en un gen del que se puede extraer una poderosa droga. La policía
intenta detectar a los portadores del gen. Mientras, la industria farmacéutica
usa a un grupo de personas para que produzcan esperma. El título de la película
no admite dudas: aquí, la cosa va de fluidos, en una orgía visual rodada en
Berlín, una distopía sobre un futuro imperfecto en el que el sexo se pone al
servicio de la economía.”
No tengo demasiado claro que es lo que acabo de ver, una
hora de primeros planos de tíos masturbándose, gente meando en paredes, lujuria
y depravación en un futuro distópico en el que se comercia con los fluidos de
personas con VIH.
Se trata de una distopía muy ciberpunk y feminista que está
narrada como una sucesión de escenas con alto contenido sexual que no tienen por
qué tener relación entre ellas. Más cercana al videoarte que al cine.
“Tenemos la Carne
es la película más transgresora de Sitges 2016” “Tenemos la Carne es una película tan explícita que te piden el DNI
en la entrada” “Tenemos la Carne es
la película que provoca desbandadas entre el público” “Tenemos la Carne es la película….
Y yo me pregunto ¿Tenemos
la Carne es una película? ¿O más bien un intento de arte y ensayo
provocador que ni es arte ni ensayo y sobretodo no consigue provocar aunque ese
sea su único motivo de existencia? Y es que no es posible que una película que
contiene incesto, necrofilia, sexo explicito y canibalismo solo haya conseguido
transmitirme indiferencia e incluso aburrimiento.
En un México
apocalíptico, Mariano pasa los días destilando y bebiendo alcohol, en una casa
que pretende convertir en una cueva con forma de vientre materno. Cuando los
hermanos Lucio y Fauna encuentran el lugar, le piden a Mariano que les acoja. A
medida que la transformación de la casa avanza, el hombre iniciará a los chicos
en una extraña relación sexual.
Este es argumento sobre el que se suceden una serie de
escenas que pretenden ser desagradables e incomodas pero que ante la ausencia
de un contexto que les dé una razón de ser acaban siendo meros gags de pornografía
barata y fallida provocación.
Se pueden buscar diversas interpretaciones de la película
para intentar encontrarle un sentido, como el retorno del ser humano a sus
instintos más primarios a través del simbolismo del útero materno, pero par más
que lo he intentado ninguna de esas posibles interpretaciones justifica el
dantesco espectáculo que nos ofrece el director mexicano Emiliano Rocha en su opera prima Tenemos la Carne.
ESTADOS UNIDOS, 2016 TÍTULO ORIGINAL: The Greasy Strangler DIRECTOR: Jim Hosking PRODUCTOR: Daniel Noah, Elijah Wood, Ant Timpson GUIÓN: Toby Harvard, Jim Hosking REPARTO: Michael St. Michaels, Sky Elobar, Elizabeth De Razzo
The Greasy Strangler
es una de esas rarezas que solo te puedes encontrar en las proyecciones que se
realizan en el prado y que si eres capaz de conectar con ellas las disfrutas
como un enano. En esta ocasión The
Greasy Strangler lo consigue a medias, ya que su disparatada y escatológica
propuesta consigue impactar y divertir en su inicio pero conforme avanza el
film se vuelve repetitiva hasta la saciedad y pierde ese punch inicial que nos había
dejado impactados y con la mandíbula desencajada.
Un padre y un hijo, a cuál de ellos más desagradables, se
dedican a realizar una guía turística de discotecas cuando conocen a Janet, una
joven no menos desagradable, por la que iniciaran una despiadada batalla para
hacerse con su amor. A todo esto la ciudad esta en alerta porque las muertes se
multiplican y se sospecha de un asesino en serio al que se le conoce por el
nombre de el estrangulador sangriento.
El film es una sucesión de escenas escabrosas, escatológicas
y desagradables; la grasa nos saldrá por las orejas, nos cansaremos de ver
pollas gigantes y micropenes, cuerpos imperfectos en todos los sentidos, gore
excesivo y caricaturesco, escenas que entran en un bucle interminable y música machacona.
Como hemos comentado anteriormente el inicio del film es
impactante y consigue captar toda la atención del espectador con un par de gags
memorables y su bizarra propuesta, el problema llega cuando se intenta alargar
la gracia hasta 93 minutos haciéndolo de manera repetitiva y sustentándose solo
en lo desagradable que pueden resultar sus escenas y personajes.
FRANCIA, BÉLGICA, ITALIA, 2016 TÍTULO ORIGINAL: Raw (Grave) DIRECTOR: Julia Ducournau PRODUCTOR: Jean des Forêts GUIÓN: Julia Ducournau REPARTO: Garance Marillier, Ella Rumpf, Rabah Nait Oufella
Raw (Grave) era
una de las películas más esperadas de esta edición del festival de Sitges y sin
duda no ha decepcionado y se ha convertido directamente en una de nuestras
favoritas de este año 2016. Raw venía
precedida por las informaciones que llegaron de ella tras su proyección en el
festival de Toronto que hablaban de vómitos y mareos durante su visionado, por
lo que esperábamos un film polémico y repleto de imágenes desagradables y provocadoras,
pero Raw es mucho más que eso y detrás
de su parte provocadora, que existe, se encuentra un film mucho más profundo
que habla sobre la perdida de la inocencia y la liberación sexual de los
adolescentes, todo ello en clave caníbal.
Justin es una brillante estudiante que siempre ha vivido
encerrada en su núcleo familiar en el que todos son vegetarianos. Al entrar en
la facultad descubre un mundo de fiesta y decadencia en el que tendrá que
esforzarse para encajar. Con la ayuda de su hermana que ya lleva varios años en
la facultad accederá a las pruebas de iniciación que incluyen la ingesta de
carne cruda, un acto que traerá terribles consecuencias y despertara su
verdadera identidad.
Raw es un
visceral ensayo sobre la adolescencia que mediante una perfecta utilización de
planos y banda sonora consigue trasladarte a la mente de la protagonista,
hacerte vivir la experiencia en primera persona y agotarte psicológicamente.
La francesa Julia
Ducournau se convierte una de las directoras a seguir gracias a su
capacidad para conectar con el espectador, con su lado más oscuro pero a la vez
crear empatía por unos personajes a los que estas observando realizar cosas
atroces. También resultan notables las actuaciones de Garance Marillier y Ella
Rumpf que muestran lo intensa que puede resultar la relación en dos hermanas
en plena adolescencia descubriéndose a ellas mismas.
COREA DEL SUR, 2016 TÍTULO ORIGINAL: Ah-ga-ssi DIRECTOR: Park Chan-wook PRODUCTOR: Lim Syd, Park Chan-wook GUIÓN: Jeong Seo-kyeong, Park Chan-wook REPARTO: Kim Min-hee, Kim Tae-ri, Ha Jung-woo
Que gusto da madrugar para encontrarte con una maravilla
como The Handmaiden, la última película
del aclamado director surcoreano Park
Chan-wook, responsable de obras tan notables como la trilogía de la
venganza encabezada por Old Boy, Thrist o su incursión hollywoodiense Stoker.
The Handmaiden
nos traslada a los años 30, una Corea que se encuentra ocupada por los
japoneses, y en el que una joven carterista acepta el reto de hacer de doncella
de una adinerada mujer con la intención de robarle toda la herencia que ha recibido.
El film se divide en tres partes, siendo cada una de ellas una pequeña joya
repleta de intriga, sexualidad y rodada de manera magistral. Cada plano, cada
escena aporta nueva información a una trama repleta de sorpresas y que se cuece
a fuego lento durante sus más de dos horas.
Estamos ante una obra que consigue transmitirnos decenas de
sensaciones tanto por su forma de narrar la historia como por su forma de
mostrarla, transmite sexualidad pero a la vez dulzura, amor y sufrimiento,
perversión e inocencia, intriga… un tiovivo de emociones sustentado por unas
excelentes interpretaciones de Kim
Min-hee, Kim Tae-ri, Ha Jung-woo y Jo Jin-woong.
ESTADOS UNIDOS, 2016 TÍTULO ORIGINAL: The Neon Demon DIRECTOR: Nicolas Winding Refn PRODUCTOR: Lene Børglum, Sidonie Dumas GUIÓN: Nicolas Winding Refn, Mary Laws REPARTO: Elle Fanning, Jena Malone, Bella Heathcote
Jesse es una aspirante
a modelo que llega a Los Ángeles, donde se cruza con un grupo de modelos
profesionales elitistas, que llevan a lo extremo sus intentos por seguir
aparentando la misma edad... Para ello recurrirán a prácticas de vudú y
canibalismo.
Si hay una película que está levantando expectativas y
escepticismo a partes iguales a día de hoy, esa es The Neon Demon. Desde su estreno en el pasado Cannes y sus
correspondientes abucheos por parte de la crítica especializada, el último
título de Nicolas Winding Refn ha
dejado claro que será de esas películas que dividen a la gente entre los que
quedan maravillados y los que no conectan de ninguna manera con ella. En mi
caso reconozco que tenía bastante curiosidad por verla y que su campaña
promocional a base de múltiples carteles era lo suficiente llamativa como para
llamar mi atención, pero mi última (y única) toma de contacto con Refn fue allá por el 2011 con la
aclamada Drive, un film que sin
disgustarme del todo, no llego a entusiasmarme ni la mitad de lo que gusto a
todo el mundo (aunque reconozco que pudo ser víctima de mi propio hype, no hay
nada peor que ponerse una expectativas imposibles a la hora de ver una
película) y eso ha ayudado bastante a la hora de sentarme a ver The Neon Demon, pues aunque tenía
cierta curiosidad por ella no esperaba ni mucho menos que llegara a gustarme de
verdad, algo que para mi sorpresa, al final si ha ocurrido.
Los que conozcáis el cine de Refn, sabréis de sobra que es un director que tiene más interés en
contar su historia por las imágenes que por los diálogos. Yo no ando muy puesto
en su filmografía pero fue algo que note en Drive y que por lo que leí por ahí (corregirme si me equivoco)
llevo a cuotas más altas en Only God
Forgives. The Neon Demon sigue
el mismo camino y desde el principio, mostrándonos a Jesse con el cuello cortado (esto no es un spoiler, es una sesión
de fotos) y luces de neón por todos lados, antepone el apartado visual y sonoro
para hacernos entender lo que estamos viendo, dejando de lado el mero hecho de
contar una historia de la manera tradicional y queriéndonos enganchar a través
de los ojos. Con esto no quiero decir que The
Neon Demon no tenga ningún tipo de historia y sea solo un montón de
imágenes potentes unidas a boleo, tiene una trama principal (con su
planteamiento, su nudo y su desenlace) pero está lejos de ser destacable y de
por sí, es una historia que todos
conocemos y que ha sido explotada en miles de películas y telefilms. Lo
que realmente interesa de The Neon Demon
es como se cuenta esta historia, y no la historia en sí misma.
Cuanto tienes un argumento que es de sobra conocido por
todos (hasta por los que en general no tenemos mucha idea del mundo de la moda
y sus entresijos) no puedes permitirte dejarlo todo al servicio de la historia,
ya que no creo que a estas alturas a nadie le impacte ver lo frívolo, egoísta y
retorcido que es el negocio de la imagen en Los Ángeles (o en cualquier sitio)
y además hacerlo a través de una protagonista que llega cargada de sueños y
esperanzas viendo como poco a poco ese mundo la va superando, eso es algo que
ya hemos visto miles de veces. Refn
lo que realmente hace con The Neon Demon
es llevarlo hacia lo abstracto, crea una especie de retrato exagerado mezclando
lo artístico de las imágenes con lo sucio de ese submundo y le da un toque casi
de humor negro y retorcido a través de sus metáforas, dándole una forma literal
a los famosos dichos que hay dentro de ese negocio. Sé que así leído puede
sonar un poco a paja mental mía, pero es difícil dar a entender todo esto sin
desvelar nada importante de la trama, y aunque como ya digo nada es nuevo
dentro de la misma, creo que es mejor que cada uno la descubra por su cuenta y
sin spoilers.
Según va avanzando la
trama de la película, todo lo que he nombrado se vuelve cada vez más palpable y
en sus últimos 15 minutos es donde The
Neon Demon llega a sus mayores excesos y regala escenas tan retorcidas y
exageradas como metafóricas si se buscan las dobles lecturas. Llegados a ese
punto uno entiende los abucheos de Cannes ya que la película toca un par de
temas bastante tabú tanto en el cine como en la sociedad en general, pero
manteniendo siempre la estética visual y atractiva que la caracteriza. Puede
que a los cinéfilos menos entrenados en temas desagradables llegue a
impactarles, aunque a los que como yo, lo consumáis habitualmente, no hay nada
en The Neon Demon que llegue a
incomodaros, de por si es en esta parte de película donde Refn se deja llevar y pese a pecar de excesivo a mi consiguió sacarme una sonrisa tomándomelo
todo como una sátira sobre lo frívolo, competitivo y efímero que es hoy en día
ser modelo, donde tantas personas quieren verte caer y siempre hay una cara
nueva y mejor (más joven, más rubia o cualquier adjetivo que se os ocurra) a
punto de entrar y dispuesta a quitarte el puesto sin pensárselo dos veces.
Para que la película funcione es importante contar con un
reparto que entienda perfectamente donde están metidos y lo que la película
quiere transmitir, ya que cuando no se utiliza una narrativa común es fácil que
uno termine perdido si no puede entender a los personajes que tiene delante.
Por suerte Refn cuenta con un
conjunto de intérpretes femeninas que saben exactamente lo que tienen que
hacer, encabezadas por una magnética y contenida Elle Fanning como Jesse,
que transmite sin esfuerzo esa sensación de ser algo casi venido de otro mundo,
un ser virginal por el que todos se pelean y al que las otras chicas odian al
instante, añadiendo además ese aire de Lolita inalcanzable que despierta
pasiones y deseos en los adultos de su alrededor. Fanning le da los matices necesarios para pasar de inocente a
calculadora casi sin que nos demos cuenta y es que Jesse sabe de sobra el interés que despierta en los demás y el
benéfico que puede sacar de ello. Por otro lado tenemos a una estupenda Jena Malone (una actriz que me ha
gustado siempre y aquí lo da todo) como Ruby
que para mí es el mejor personaje de la película. Es la que se carga encima las
partes más controvertidas de la trama y su personaje es el que más parece
encajar en el mundo que ha creado Refn.
Malone puede ser simpática, sexual,
peligrosa y desagradable casi en una misma escena y eso no es algo fácil. Ambas
están acompañadas de unas frías, retorcidas y envidiosas Bella Heathcote y Abbey Lee
que representan perfectamente cada una el rol que le ha tocado. También
encontramos rostros bastante curiosos como Christina
Hendricks, Keanu Reeves o Karl Glusman (visto en Love de Gaspar Noé, otra cinta bastante polémica).
Hablar de The Neon
Demon es hablar de un acabado técnico fantástico. Las luces, la música y
las localizaciones ayudan mucho a entrar en el universo que nos propone Refn, marcando una notable diferencia
entre la moda y el mundo real a través del acabado visual, paseándose entre lo estrambótico
y lo electrónico cuando Jesse está
dentro del modelaje a la normalidad y suciedad de cuándo vuelve al motel en el
que vive temporalmente. Es dentro del primer apartado donde la cinta destaca y
encontramos lugares que parecen sacados de un sueño (o un viaje de ácido…)
donde luces y sombras se funden y crean espacios que parecen no tener fin a
simple vista, transmitiendo frialdad y belleza al a vez, mientras que en el
segundo todo es bastante austero y convencional. Poco se puede reprochar a su acabo
visual y tampoco al musical, donde temas electrónicos y (como no) a base de
sintetizadores que ahora parecen estar tan de moda otra vez. Todo junto crea un
espectáculo sensorial que hace que la trama pase a un tercer plano y se pierda
entre imágenes y sonidos extravagantes.
Poco más puedo decir de The
Neon Demon, es una película que levantara tantas pasiones como decepciones
allá por donde pase. Es posible que las expectativas no la ayuden demasiado ya
que no es una película que vaya a gustar a todo el mundo por igual y que está
muy alejada del cine convencional. Es un espectáculo en el que destaca la forma
por encima del fondo, donde la trama y el desarrollo de la misma sin dejar de
existir, no son lo realmente importante de la misma, es un título que está
hecho para trasmitir cosas y es algo que lograra con una parte del público pero
no con otra.
En mi caso ha ayudado mucho como ya he dicho el hecho de no
esperar en ningún momento encontrarme con algo que me gustara, más bien todo lo
contrario, y al final Nicolas Winding
Refn ha conseguido engancharme a través de sus imágenes y sus retorcidas
y constantes metáforas, dejando claro
eso sí, que para nada es una película de género o sangrienta y es solo en su
tramo final donde estos elementos toman más protagonismo sin llegar a ser nunca
lo principal. También quiero decir que su ritmo no es que sea demasiado ágil y
que junto a su duración puede hacerse algo larga si la veis con sueño (que fue
mi caso) pero si entráis en ella no será algo que llegue a molestaros.
The Neon Demon es
una mezcla de sueño y realidad que no recomiendo tomarse demasiado en serio,
puesto que está contada desde un punto de vista abstracto, exagerado y a veces
desagradable de lo que es meterse en un negocio tan frívolo, superficial y codicioso
como es el mundo de las modelos y la fama. Como apunte personal, una vez
terminada lo cierto es que me dejó bastante desorientado (sobre todo por su
último tramo) pero una vez madurada le saque bastantes lecturas interesantes
que me llevaron a darle la nota que le doy. Estoy seguro que con un segundo
visionado sacare algunas más (o puede que no, igual en el siguiente me retracto de todo lo que he dicho aquí), algo
parecido a lo que me pasó con February,
que sin parecerse en nada me dejaron sensaciones similares. De momento y
quedando pendiente un segundo visionado para más adelante, me atrevo a
recomendaros The Neon Demon, siempre
sabiendo donde os estáis metiendo y sin crearse una expectativas irreales sobre
ella.
Lo mejor: un
acabado visual impecable, la manera abstracta y perversa de abordar los temas
que aborda y un reparto femenino entregado de principio a fin, sobretodo Jena Malone. Lo peor: el ritmo
y su duración no ayudan demasiado a hacer ameno el viaje y a nivel de trama y
guion no cuenta nada nuevo ni novedoso. Peca de pretenciosa varias veces aunque
eso es algo que ya me imaginaba de antemano y que asumí al verla desde el
primer plano.
TÍTULO ORIGINAL: Bunny the Killer Thing DIRECTOR: Joonas Makkonen PRODUCTOR: Miika J. Norvanto GUIÓN: Joonas Makkonen, Miika J. Norvanto REPARTO: Enni Ojutkangas, Roope Olenius, Veera W. Vilo
- Un slasher protagonizado por un tío con un disfraz cutre de
conejo.
- Tono de comedia con mucho bizarrismo y chistes verdes.
- Premio a la mejor película en la sección Madness de la
edición de 2015 del Festival Nocturna.
- Proyectada en más de una decena de festivales a nivel
mundial.
-Editada en España y a la venta en el mercado domestico.
Con todo a favor nos disponemos a ver la película acompañado
de un par rubias (una mi mujer que me odia por hacerle ver esta atrocidad y la
otra una cerveza bien fresquita) pero
desde bien prontito Bunny the Killer
Thing comienza a mostrar sus carencias y a desinflar la burbuja de nuestras
expectativas.
El film sigue el esquema básico de un slasher, grupo de jóvenes
sobreexcitados que van a pasar un fin de semana a una cabaña aislada de la civilización
y que son acosados por un asesino en medio de su orgia de alcohol y sexo. En
esta ocasión el papel de asesino cae sobre Bunny un hombre mutado a conejo que
posee un pene descomunal y que va matando a sus víctimas al grito de
¡Chocho!¡Chocho freso! mientras balancea su miembro con movimientos rotatorios.
Esta peculiar forma de matar hace gracia la primera vez, la
segunda es aceptable, la tercera ya empieza a cansar y la cuarta ya no sabes dónde
meterte y comienzas a sentir vergüenza ajena. Y es que uno de los principales
problemas de la película es lo repetitiva que se acaba haciendo y es que estira
un chiste que da para un cortometraje a lo largo de más de una hora sin
esforzarse lo mas mínimo en incluir alguna cosa más que entretenga al
espectador.
Las múltiples muertes no son nada del otro mundo, efectos
muy justos y mucha acción fuera de pantalla, por lo que un elemento tan básico en
un slasher como son los asesinatos en mas de una ocasión nos los tenemos que imaginar.
Las actuaciones tampoco son remarcables, mas bien todo lo contrario, personajes
sin gracia alguna sobreactuados e interpretados de manera muy amateur.
Durante todo su metraje el film deambula entre la comedia y
el terror sin encajar en ninguno de los dos géneros ya que el humor es tan básico
y repetitivo que apenas produce un par de leves sonrisas y el terror esta tan
mal llevado y ambientado que produce más risas que las escenas de comedia…un
quiero y no puedo en ambos sentidos.
En definitiva, Bunny
the Killer Thing se presenta como una pequeña joya para los amantes del
gore y la serie Z más bizarra, pero basa toda su película en una misma gracieta
que deja de funcionar a la segunda ocasión que se realiza y acaba resultando
molesta y repetitiva hasta la saciedad.
TÍTULO ORIGINAL: The Overnight DIRECTOR: Patrick Brice PRODUCTOR: Naomi Scott, Jay Duplass, Mark Duplass GUIÓN: Patrick Brice REPARTO: Adam Scott, Taylor Schilling, Jason Schwartzman
Que incomodo me resulta escribir sobre un género el cual
desconozco completamente como es la comedia independiente con alto contenido
sexual. Es tan incomodo como ir a cenar a casa de unos amigos, acabar desnudos
y que tu pene sea el más pequeño por una diferencia abismal. O acompañar a una
persona que acabas de conocer a un turbio lugar en el que se encarga de
masturbar a desconocidos. Esto solamente son algunos de los ejemplos de escenas
que nos encontraremos en la película The
Overnight, film que vimos en Americana
acompañados de una buena y espumosa rubia gentileza de Moritz.
TÍTULO ORIGINAL: Tangerine DIRECTOR: Sean Baker PRODUCTOR: Sean Baker, Shih-Ching Tsou GUIÓN: Sean Baker, Chris Bergoch REPARTO: Kitana Kiki Rodriguez, Mya Taylor, Karren Karagulian
Tangerine
aterrizaba en Americana con el aura
de ser una de las mejores películas independientes del año 2015 tras su paso
por multitud de festivales de todo el mundo y de cosechar diversos premios como
el de mejor película otorgado por el público en el Gotham Independent Film Awards donde Mya Taylor también gano el premio a mejor actriz revelación, o el
premio al mejor director para Sean Baker
en el Karlovy Vary International Film
Festival.
TÍTULO ORIGINAL: El Cadáver De Anna Fritz DIRECTOR: Hèctor Hernández Vicens PRODUCTOR: Alberto Aranda, Marta Carbó GUIÓN: Hèctor Hernández Vicens, Isaac P. Creus REPARTO: Alba Ribas, Cristian Valencia, Bernat Samuell
Anna Fritz, una joven y famosa actriz de cine, es
hallada muerta en la suite de un hotel. Pau trabaja como celador en el hospital
a donde han trasladado el cadáver. Es un chico tímido e introvertido que cada
vez que entra en el depósito el cadáver de una chica atractiva, no puede evitar
mirarla. Hace una foto a Anna Fritz y se la envía a dos amigos. Cuando éstos
llegan a la morgue, se quedan fascinados por su gran belleza. Víctimas de sus
instintos más primitivos, se plantean violarla impunemente, pero no saben en
qué clase de infierno se van a precipitar.
TÍTULO ORIGINAL: Nina Forever DIRECTOR: Ben Blaine, Chris Blaine PRODUCTOR: Ben Gallop, Andy Gordon GUIÓN: Ben Blaine, Chris Blaine REPARTO: Fiona O'Shaughnessy, Cian Barry, Abigail Hardingham DURACIÓN: 98 minutos WEB: http://ninaforever.com/ IMDB:http://www.imdb.com/title/tt3832096/
VALORACIÓN: 7/10
TU, YO & EL FANTASMA DE TU EX
Holly ha comenzado una
relación con su compañero de trabajo Rob, quien aún está en duelo por la
reciente muerte de su novia Nina. Pero la nueva pareja sufre un tremendo
problema. cada vez que hacen el amor, el fantasma ensangrentado de Nina aparece
en la cama. Pero Holly no se asusta y busca la manera de hacer frente a la
chica muerta que quiere compartir su cama, sus vidas, e incluso sus mentes...
TÍTULO ORIGINAL: Cabin Fever DIRECTOR: Travis Zariwny PRODUCTOR: Eli Roth, Evan Astrowsky GUIÓN: Randy Pearlstein, Eli Roth REPARTO: Matthew Daddario, Nadine Crocker, Gage Golightly DURACIÓN: 99 minutos WEB: IMDB:http://www.imdb.com/title/tt3832096/
VALORACIÓN: 5/10
LO MISMO PERO 14 AÑOS DESPÚES
Como
un último adiós al instituto, Jeff, Karen, Paul, Marcy y Bert se embarcan en
unas vacaciones a lo más profundo de las montañas. Conduciendo a toda velocidad
y con la música a todo trapo, llegan a una remota cabaña para agotar sus
últimos días de juventud antes de entrar para siempre en el mundo adulto. Todo
marcha sobre ruedas hasta que alguien se pone enfermo. La piel de Karen empieza
a llenarse de ampollas y a quemarse como si algo creciera dentro de
ella. Asustados ante el horror, el resto de los compañeros asisten
incapaces al deterioro de la chica. Temerosos de ser contagiados, empiezan una
lucha contra la enfermedad que les llevará a enfrentarse y matar a todo aquel
que se acerque, aunque sea su mejor amigo.
