SKY CAPTAIN Y EL MUNDO DE MAÑANA

ESTADOS UNIDOS, 2004

TÍTULO ORIGINAL: Sky Captain and the World of Tomorrow

DIRECTOR: Kerry Conran

PRODUCTOR: Jon Avnet, Sadie Frost, Jude Law

GUIÓN: Kerry Conran

REPARTO: Gwyneth Paltrow, Jude Law, Giovanni Ribisi

DURACIÓN: 106 minutos

WEB: http://www.skycaptain.com/

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0346156/

VALORACIÓN: 6/10

INTERESANTE PERO FALLIDA

Famosos científicos de todo el mundo están desapareciendo misteriosamente, y la reportera del Chronicle, Polly Perkins (Gwyneth Paltrow) y el experto aviador Sky Captain (Jude Law) lo están investigando. Arriesgando sus vidas, viajan a lugares exóticos, pero ¿podrán detener al malvado doctor Totenkopf (¡Laurence Olivier!), cuyo objetivo es destruir la Tierra? Para cumplir su misión cuentan con la ayuda de Franky Cook (Angelina Jolie), comandante de un escuadrón femenino, y de un genio de la tecnología (Giovanni Ribisi).

“Sky Captain y el mundo del mañana”, del entonces debutante Kerry Conran, es un interesante y a la vez extraño film de ciencia ficción que combina el pasado y el futuro. El pasado porque la estética general de la cinta se inspira en las ilustraciones de publicaciones pulp de entre 1920 y 1940 como Wonder Stories, Future Science Fiction, Astounding Science Fiction o la mítica Startling Stories, y seriales fílmicos de serie B como “Los tambores de Fu Manchu” (1940), “Flash Gordon” (1936), “Flash Gordon conquista el universo” (1940) o “Marte ataca a la Tierra” (1938). El futuro porque la película ha sido rodada prácticamente sin decorados, con las más modernas técnicas digitales y en el relato observamos naves y robots futuristas.

Kerry Conran, realizador y guionista de la cinta, nos ofrece su peculiar renovación del cine de ciencia ficción, que como norma siempre mira al futuro, porque “Sky Captain y el mundo del mañana” ejerce una visión del futuro hacia el pasado. Esto lo contemplamos en su esplendor en la secuencia del primer ataque de los robots gigantes a la ciudad de Nueva York de los años 20 o 40. Unos robots, por cierto, también bastante retro.

Todo el film es un experimento de su director tan curioso y extraño que merece al menos un visionado. Sin embargo, puede que para atrapar al espectador el film necesite algo más que las ciertas dosis de humor sobre la batalla de los sexos (las espurias rencillas entre Sky Captain y Polly a causa de un oscuro lance sentimental ocurrido años antes en Shanghai) o las escenas de batalla que nos ofrece. Tal vez lo que más falla son las interpretaciones de los actores, algo forzados por estar actuando en un mundo reconstruido de manera totalmente virtual.

Insistiendo en su defensa, “Sky Captain and the World of Tomorrow” tiene una interesante fusión de estética pasada y futura con esas naves voladoras y robots, esa fotografía virada en sepia y blanco y negro, ese look oscilante entre el art noveau y el naïf más desaforado o ese reparto bizantino de papeles morales, ya que los buenos son buenísimos -Joe Sky Captain Sullivan (Jude Law), Polly Perkins (Gwyneth Paltrow), Dex Dearborn (Giovanni Ribisi) o la capitana Francesca Franky Cook (Angelina Jolie)- los malos muy malos -la Mujer Misteriosa (Ling Bai) y su amo, el Dr. Totenkopf, intepretado por Laurence Olivier mediante fotografías y planos de archivo manipulados digitalmente-.

Puede que no guste ya que los escenarios miran al pasado empezando por el avión que pilota Joe Sky Captain, pero también puede que por ello sea más atractiva. Todo depende del público. Si usted es de los que admira la ciencia ficción porque mira hacia un futuro en ocasiones lejano o incluso muy ficticio esta no es su película. De todos modos hágase un favor y véala.

La película se rodó íntegramente con cámaras digitales de alta definición en Los Ángeles y en los Elstree Studios en Gran Bretaña en tan sólo veinticinco días, entre marzo y abril de 2003. Como dato curioso, la actriz Angelina Jolie sólo participó en tres días de rodaje de la película. Su postproducción, por otra parte, fue otra cosa. Duró casi un año elevando el coste a los setenta millones de dólares aproximadamente.

Para acabar y en su contra, el film de Kerry Conran presenta una historia mínima y llena de clichés. Que esto no tire para atrás a nadie. Es una realidad que se observa desde el principio y que desgraciadamente todo lo bueno que contiene, que no es poco, no logra disimular. Puede que dé la sensación de estar viendo un interesante experimento fallido al encontrarse toda esa estética maravillosa de la cinta acompañada de un guión algo flojo. Lo que vemos es fascinante lo que nos cuenta no lo es tanto. Así de simple. Una lástima.  

SITGES 2013 - CARTEL Y TAKASHI MIIKE

La 46 edición del Festival Internacional de Cine Fantástico de Catalunya tendrá lugar más tarde, entre el 11 y 20 de octubre, rendirá homenaje a “La Semilla del Diablo” y recibirá a Takashi Miike.

El póster del festival, una vez mas diseñado por la agencia China, nos recuerda el nacimiento del Mal en una imagen inspirada en el clásico de Román Polanski “La Semilla del Diablo” (“Rosemary"s Baby”), advirtiendo que este año habrá que protegerse contra el señor de las tinieblas si uno se acerca a las bellas tierras sitgetanas.

Según los responsables Miguel Ángel Duo y Rafa Antón, “Cuando nos planteamos la imagen de este año, no podíamos evitar referenciarnos una y otra vez con el gran póster de “La Semilla del Diablo”. La imagen del carrito recortado contra el cielo, con la cara de Rosemary sobreimpresionada, es de una fuerza brutal, muy inquietante solo por lo que sugiere, sin necesidad de ser explícito. Ese es uno de los grandes méritos del cartel y, por supuesto, de la película de Polanski”.

Hoy faltan justo seis meses para que Sitges 2013 abra el telón en el que ya está anunciado una de las actuales estrellas del cine internacional: el japonés Takashi Miike, que ya ha confirmado su presencia en el Festival con su nueva película, “Leson of the Evil”.

Miike, uno de los maestros del cine actual y un referente para las generaciones contemporáneas de realizadores, llega 10 años después de su primera aparición en Sitges, que lo homenajeará proyectando en la Secció Oficial Fantàstic a Competició “Leson of the Evil”, cinta que narra los traumas que padece una maestra psicópata, así como la proyección de una retrospectiva-homenaje al director y la publicación de un libro sobre su figura.

En 2003 –un año después de compartir ex-aequo el premio Orient Express por “Araburu Taashi-Tachi (Agitator)”–, Takashi Miike llegó a Sitges para recibir la Màquina del Temps. Ese mismo año, ganó la Maria a los mejores efectos especiales por “Gozu”, premio que repitió el siguiente año, esta vez por “Izo”. En Sitges 2008, obtuvo una Mención Especial del Premio Noves Visions por “God’s Puzzle”. En el 2001, Sitges proyectó “Hara Kiri: Death of A Samurai” y el año pasado, programó en la sección Noves Visions “For Love’s Sake”.
 

DARKNESS

ESPAÑA, 2002

TÍTULO ORIGINAL: Darkness

DIRECTOR: Jaume Balagueró

PRODUCTOR: Julio Fernández, Brian Yuzna

GUIÓN: Jaume Balagueró, Fernando de Felipe

REPARTO: Ana Paquin, Lena Olin, Iain Glen

DURACIÓN: 102 minutos

WEB: 

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt0273517/

VALORACIÓN: 6/10

LA OSCURIDAD ES ENGAÑOSA

La Oscuridad evoca la Nada y el Caos. También va ligada al Mal. Jaume Balagueró, director y co-guionista de “Darkness” (2002), nos presenta la Oscuridad en cada secuencia del film: perfilando los rostros de los actores, diluyendo los volúmenes del decorado, adhiriéndose a las acciones y pensamientos de los personajes.

En la casa de la historia hay algo... Algo oscuro y muy antiguo que permanece inmóvil, escondido y en silencio. Sólo espera, agazapado en la penumbra durante años, trazando planes. De hecho, su medio es la Oscuridad. Sólo en ella puede manifestarse y desplazarse. E incluso toma su nombre. Y vive aquí desde que alguien trató de invocarlo hace más de cuarenta años. Porque esta casa guarda un secreto, un pasado abominable, un acto de maldad inconcebible... Siete niños, gente sin rostro, un círculo que debe ser completado. Y sangre, mucha sangre... Y una nueva familia acaba de instalarse en esta casa. Un niño pequeño. Un padre inestable capaz de perder los nervios en cualquier momento. Un blanco perfecto. El lugar exacto en el instante preciso.

“Darkness” no es una película que reflexione alrededor de las pavorosas fuerzas demoníacas que nos rodean. Asimismo, tampoco pretende ser una extravagante mezcolanza entre H.P. Lovecraft y Dario Argento, aunque la heroína de la película, interpretada por Anna Paquin, consulte un vetusto libro ocultista similar al Necronomicón (garabateado a mano y repleto de inquietantes grabados) o que la casa habitada por la muchacha y su familia (el centro de abominable culto a la Oscuridad y el cubil donde ésta espera, pacientemente, una ocasión para arrasar el mundo...) tenga un diseño tan hermético y claustrofóbico como los góticos edificios de “Suspiria” (1977) e “Inferno” (1980).

“Darkness” manipula sin pudor varios de los formulismos más previsibles sobre brujería, espectros, casas encantadas, sectas diabólicas e incunables versados en ciencias prohibidas, que el cine fantástico ha acuñado durante décadas, como “El legado” (Richard Marquand, 1978), “Terror en Amityville” (Stuart Rosenberg, 1979) o “El resplandor” (Stanley Kubrick, 1980).

Para Balagueró, como ya demostró en su primer largometraje, “Los sin nombre” (1999), el miedo no reside en la truculencia gratuita, sino en aquellas turbias sensaciones que nos desestabilizan emocionalmente.

 

 

“Darkness” posee una esquiva belleza espectral poco frecuente en el cine actual, gracias a un excelente trabajo lumínico de Xavi Giménez y al diseño de producción de Llorenç Miquel.

Ello se percibe en la pasmosa falta de ritmo que atenaza al relato durante su primera media hora, después del epatante prólogo, o en los efectistas golpes de sonido y/o música que salpican esporádicamente la cinta, cuya finalidad es provocar el susto fácil.

El enfrentamiento de los protagonistas con la Oscuridad es lo mejor de la película. “La Oscuridad es engañosa”, dice uno de los personajes. La Oscuridad y sus criaturas (esos seres que reptan por los techos de la mansión, las torturadas ánimas de los niños muertos o las falsas imágenes de Anna Paquin y su hermano Paul (Stephan Enquist), intentando convencer a su madre Maria (Lena Olin), de que apague el fogón de las cocina cuya tenue luz la mantiene a salvo...) intentan confundir a sus antagonistas humanos hurgando en su miedo a la muerte, a lo desconocido y a lo sobrenatural.

THE GIRL

ESTADOS UNIDOS, 2012

TÍTULO ORIGINAL: The Girl

DIRECTOR: Julian Jarrold

PRODUCTOR: BBC y HBO

GUIÓN: Gwyneth Hughes

REPARTO: Toby Jones, Sienna Miller, Imelda Stuanton

DURACIÓN: 91 minutos

WEB:  http://www.losultimosdias.es/

IMDB: http://www.imdb.com/title/tt2132485/

VALORACIÓN: 6/10

LAS RUBIAS SON LAS MEJORE VÍCTIMAS

HBO, la cadena de televisión por cable responsable de algunas de las series más populares del panorama televisivo actual como “True Blood”, “Boardwalk Empire” o “Juego de tronos”, en asociación con la británica BBC es la responsable de “The Girl”, un telefilm de Julian Jarrold en torno a la relación profesional y personal de Alfred Hitchcock (interpretado por Toby Jones) con la actriz Tippi Hedren (Sienna Miller) durante la filmación consecutiva de “Los pájaros” (“The Birds”, 1963) y “Marnie, la ladrona” (“Marnie”, 1964).

“The Girl” parte del libreto de la guionista televisiva Gwyneth Hughes, basado a su vez en el libro de Donald Spoto “Spellbound by Beauty: Alfred Hitchcock and his leading ladies” (2009), quien además ha participado como asesor en el film. Cabe destacar que la propia Tippi Hedren reveló al biógrafo el infierno personal por el acoso sexual al que le sometió Hitchcock. Dejando de lado las recientes declaraciones de la actriz, de 82 años, tras la presentación de “The Girl”, en agosto de 2012, asegurando que arruinó su carrera pero no su vida (“Era malvado, pervertido, casi hasta peligroso”, declaraciones recogidas por El País el 23 de octubre del año pasado), el telefilm de Jarrold es atractivo a la vez que precario en sus tesis planteadas. Precario porque no deja lugar al suspense y se obvia una de las reglas del cineasta: cuanto más se deja a la imaginación, más emoción.

Además, la manera en que se desarrolla la película es fascinante pero en ocasiones parece más un rotativo amarillo que una película seria. Sin tapujos se pone un gran énfasis en mostrar a Hitchcock como un acosador sexual, hasta el punto de que, en un momento del rodaje de “Los pájaros”, llegamos a asistir a un momento tan embarazoso como ver al director intentando besar violentamente a Hedren en la parte trasera de su coche, obligando a la joven actriz a huir del vehículo despavorida, como si decenas de pájaros la atacaran. Este es uno de los momentos más vergonzosos, pero hay muchos más: las constantes y diversas insinuaciones de Hitch hacia su actriz (“tócame, nadie nos puede ver”, le dice en una ocasión), las llamadas telefónicas a su casa a horas intempestivas llegándole a confesar temas tan personales como que se casó con su mujer solo porque ella se lo pidió, como le describe el momento en que Marnie es desnudada por su marido en su noche de bodas dejando claro el deseo del realizador de ver a su actriz desnuda, la confesión de Hitch a su ayudante Jim Brown (Carl Beukes) que es impotente y que su esposa Alma Reville (Imelda Staunton) es la única mujer con la que ha hecho el amor en toda su vida...

Podría hacerse una lectura positiva del comportamiento inadecuado de Hitchcock. Tal vez que los momentos culminantes del acoso del cineasta sobre Hedren coinciden con la filmación de algunas de las más importantes escenas de “Los pájaros” y “Marnie, la ladrona” y que la conducta también formaba parte de una deliberada estrategia de estimulación, destinada a conseguir las necesarias reacciones de Hedren ante la cámara que permitan paliar su inexperiencia como intérprete dramática (Tippi era modelo). Sin embargo, en el fondo todo eso no es cierto. “The Girl” es cruda a la hora de presentar las obsesiones de Hitchcock con las rubias, con su protagonista.

Otro aspecto interesante de “The Girl” es la dirección de Jarrold que lleva a cabo con encuadres hitchcochianos, como los planos generales en semipicado sobre las oficinas del director o sobre el propio Hitch en el jardín de su casa, un par de planos con cámara móvil que recorren la casa de Hedren o el plano general en picado y vertiginoso sobre el hueco de la escalera de una vivienda, por la cual vemos subir a Hitchcock. Todo ello nos informa hasta que punto Hitchcock impregna la película y todos y cada uno de los movimientos de Hedren, en su vida profesional y privada.

Una mención especial merece la interpretación que realiza Sienna Miller como mujer divorciada y con hija, modelo rubia natural de origen sueco sin experiencia en rodajes, que no sabe moverse en el set, que no tiene pareja, que no se quedará embarazada (en palabras del director, preocupado por este tema desde lo que le sucedió con Vera Miles) y que sufre el acoso de su jefe en silencio ante la posibilidad cierta de convertirse en una gran estrella de cine. Pero quien sin duda destaca es Toby Jones, genial en su caracterización como Hitchcock que nada tiene que envidiar de la realizada por Anthony Hopkins en “Hitchcock” (Sacha Gervasi, 2012).

LO MEJOR: A diferencia que en “Hitchcock”, en esta película si que vemos al director dirigir en bastantes ocasiones. Destaca la escena del ático de los pájaros (reales todos ellos) atacando a la actriz, viniéndole de sorpresa, que se tardó cinco días en rodar, a diferencia de lo prometido: un día de rodaje y con pájaros mecánicos y efectos especiales.

LO PEOR: En el retrato de Hitch hay cierto aire de prensa amarilla destapando sus miserias.